Juan David Quintero, conocido en el mundo del dibujo como Yeidi, llegó a Tragaluz de una manera silenciosa. Nos envío su libro para la convocatoria pública de 2017 y esperó. Y esperó. Hasta que un día le llegó un correo en el que le preguntábamos por su trabajo. En realidad, nosotros también nos contuvimos. Lo que queríamos era preguntarle quién era, dónde vivía, qué era ese libro que teníamos entre manos, hasta dónde teníamos que ir por él para asegurarnos de que sería nuestro. Afortunadamente no tuvimos que hacer nada disparatado para volver realidad este proyecto, que tomó forma y fue bautizado Descubrimiento de Molgoria y diario de C. Luego supimos que Juan David siempre había estado cerca. Tiene 24 años y vive en Bogotá. Dibuja sin descanso. Y es silencioso, como lo anunció su manera de acercarse. Y es un gran artista, un contador de historias. Un poco de todo eso -de su genio, su humor y su oficio- se lee en esta entrevista dibujada.
Desde inicios de noviembre propusimos este día, 22 de junio, como punto de llegada para la convocatoria que abrimos en 2017, con el interés de recibir proyectos editoriales de diversos géneros por parte de autores que quisieran ponerlos a consideración del comité editorial de Tragaluz.
Comenzaremos esta publicación de resultados contándoles que este año pasó algo particular. En esta oportunidad decidimos empezar la lectura de las propuestas por los trabajos que clasificamos como libros álbum o novelas gráficas, y apenas en ese primer acercamiento hubo un gran hallazgo. Nos topamos con un relato gráfico, un ave rara, firmada por un autor colombiano. Sin dudarlo, iniciamos el proceso de edición que rápidamente resultó en un libro que, en realidad, tienen en sus manos desde hace varios meses; para ser exactos, desde la Feria del libro de Bogotá. Se trata de ‘Descubrimiento de Molgoria y diario de C’. El autor del texto y las ilustraciones es Juan David Quintero, un artista bogotano de 24 años.
Este hallazgo nos entusiasmó de manera inmediata por varias razones. Para empezar, hace tiempo que queríamos abordar el género de la novela gráfica desde la mirada editorial de Tragaluz y ver qué podíamos aportar en esa vía. El libro de Juan David resolvió esa pregunta al tiempo que nos planteó otros retos. Por un lado, propone una historia en la que construye un universo fantástico que a su vez amarra el destino de tres hombres, diríamos que corrientes, mediante un lazo épico, hecho de aventura y seres de otros mundos. Esa estructura, clásica si se quiere, se ve trastocada por una serie de juegos que se plantea el libro a sí mismo. Y esta es una idea a la que volvemos siempre.
Además del libro, nos alegró muchísimo dar con Juan David, un autor colombiano. Es la primera vez que de esta convocatoria escogemos un libro nacional. Para nosotros es un motivo de celebración porque nos permite seguir una línea que estamos tratando de honrar, y es volver a los autores colombianos los protagonistas de nuestro fondo.
Empezamos esta historia advirtiendo que esta convocatoria fue especial. Pues bien, lo afortunado fue dar tan rápido con una propuesta que nos gustara tanto y que, a estas alturas del año, ya esté publicada. Con ese logro, seguimos con la lectura y evaluación de las demás propuestas, que volvieron a sumar más de 300. Por el momento hemos decidido que este será el único libro que editaremos de los recibidos en la convocatoria. Nos sentimos cerca de encontrar proyectos de otros géneros que nos interesan; hemos conocido a unos autores muy interesantes. Queremos animarlos a que nos sigan enviando sus propuestas de cuentos, novelas, ensayos, poesía y demás. Leemos con avidez todo lo que nos envían y seguiremos en la búsqueda de esos libros que merecen salir a la luz.
Nos unimos con Puente consultorías, una iniciativa de gestión cultural nacida en Medellín, para sumar a la serie de talleres llamada Al borde, un capítulo dedicado al mundo editorial. Los talleres Al borde son encuentros entre profesionales de diversas disciplinas en geografías poco frecuentadas del país. Por Leticia, Tumaco y Mocoa, entre otros lugares, han pasado periodistas, escritores, ilustradores, documentalistas y fotógrafos acompañados de un tutor que comparte su experiencia y guía el trabajo de campo. Nosotros nos reuniremos en el centro del país, en Honda, Tolima, la ciudad de los puentes. Viajaremos con todo el equipo Tragaluz (directora, diseñador y editores) para compartir con 12 participantes provenientes de toda Colombia la manera como hacemos nuestros libros y los fundamentos necesarios para emprender un proyecto editorial.
El taller, que se llevará a cabo del 28 de julio al 4 de agosto, convoca a editores/correctores, diseñadores e ilustradores que estén interesados en editar un libro y crear una editorial. Durante los días que estemos en Honda, haremos un libro desde cero, al tiempo que pondremos en discusión las ideas referidas al surgimiento de una editorial. Llegaremos hasta la finalización de archivos; la producción, comercialización y distribución del libro son temas para otro taller.
Abrimos doce cupos en total, divididos en tres perfiles. Es decir, podrán inscribirse cuatro editores/correctores, cuatro ilustradores y cuatro diseñadores, con el objetivo de armar cuatro equipos interdisciplinares que trabajen juntos a lo largo del taller.
¿Quiénes se pueden inscribir?
Editores/correctores: con o sin experiencia, los participantes que se postulen a este perfil deben ser apasionados por el mundo editorial y grandes lectores. Su papel en el taller será asumir la corrección, la escritura de textos y, junto a sus equipos, la conceptualización tanto del libro como del proyecto editorial en general. No es necesario que provengan de las ciencias humanas; sin embargo, sí deben tener sensibilidad artística y conocimientos en el área que pretenden trabajar (textos literarios, informativos o académicos). De parte de Tragaluz, recibirían los lineamientos para perfilarse como editores en relación a diferentes tipos de contenidos y momentos del proceso de trabajo. Al taller deben llevar su computador y asegurarse de tener habilitado algún programa de edición de textos.
Diseñadores: serán los encargados de desarrollar el estilo gráfico y la diagramación del libro que se editará a lo largo del taller. Pueden tener poca o mucha experiencia en el sector editorial; lo más importante es que tengan dominio de las herramientas de diseño, en especial, Photoshop, Ilustrator e Indesign, porque el taller no ahondará en asuntos técnicos, sino que se concentrará en la conceptualización y la metodología. Otro asunto a tener en cuenta es que todo el proceso de edición de un libro, que suele ser largo (mucho más de seis días) y dispendioso, lo condensaremos en la semana que dura el taller, así que el diseñador debe tener la disposición para trabajar con velocidad y la apertura para poner en común las decisiones con respecto al diseño.
Ilustradores: como uno de los énfasis editoriales de Tragaluz es la ilustración, quisimos convocar a artistas que quieran mudarse al formato libro o que lleven algún tiempo trabajando en esa vía. Ellos participarán de todos los pasos del proceso de edición, y su obra se sumará al libro que pretendemos dejar finalizado en archivos digitales. Para el taller, deben llevar las herramientas e insumos que usan para dibujar, y su computador para hacer edición digital. De nuevo, deben tener un conocimiento suficiente sobre programas de edición de imagen.
El costo del taller es 1.500.000, e incluye el hospedaje compartido en Honda, los desayunos y las cenas.
Diego Agudelo es periodista y crítico de cine, y amigo de Tragaluz desde hace años. La semana pasada dio una charla sobre la relación de los libros y el cine, que es compleja, multidimensional y en muchas vías. Entre las ideas que trajo a colación, está que la pasión por el cine y la literatura va de la mano, tanto en la forma como en el contenido. Un gran lector es casi siempre un cinéfilo consagrado, que pasa con facilidad del formato de los libros a admirar la manera en que una película está construida narrativamente. Por medio de nuestra cuenta de Instagram les contamos algunas de las conclusiones de la charla, entre ellas, un ranking de 10 películas que, según Diego, pueden ser calificadas como grandes adaptaciones al cine o como puentes directos al encuentro con los libros que las inspiraron. Hay para todos los gustos: desde películas clasificadas para niños hasta largometrajes que prometen pesadillas. A petición de ustedes, les compartimos de nuevo la lista con las reseñas que Diego escribió para cada una. Naturalmente, en pro del suspenso, empezamos por el número 10.
La ciudad de Los Ángeles es el escenario donde pequeñas historias cotidianas se entrecruzan, revelando la condición humana hasta en las pequeñas cosas. Vidas cruzadas es la evidencia de que las almas gemelas pueden encontrarse. Nadie más perfecto que Robert Altman para llevar a escena los relatos cortos de Raymond Carver. Esta película es muchas películas al tiempo. Es la colección de breves momentos en la vida de personajes que están a punto de derrumbarse en un entorno tan hostil como la jungla o el desierto: una ciudad telúrica asolada por plagas imperceptibles: violencia, calor asfixiante, tedio… Algo notable del film es el reparto de lujo que lo habita: alcohólicos, payasos, prostitutas, mujeres con delirios nudistas, policías, esposos destructivos y padres solitarios son traídos a la vida por Tom Waitts, Anne Archer, Juliane Moore, Tim Robins, Peter Gallagher, Jack Lemmon, entre otras estrellas con igual brillo. Robert Altman coincide con Carver en un punto de vista íntimo que raya en lo subjetivo pero parte hacia reflexiones propias, reescribe de alguna forma las historias que uno de los mejores cuentistas del siglo XX inmortalizó en libros como Catedral, De qué hablamos cuando hablamos de amor o ¿Quieres hacer el favor de callarte por favor?
9. El señor de las moscas (1963)
Cuando un grupo de niños y adolescentes naufragan y quedan atrapados en una isla desierta, los instintos primarios del ser humano salen a flote reemplazando la inocencia pueril por la crueldad, el mal y la violencia. La atmósfera de juego que inicia esta película de Peter Brook es, al principio, una carnada que el espectador muerde sin vacilaciones. Lo que parece ser una historia de aventuras cambia gradualmente haciéndose más oscura mientras avanza. Al tiempo que Ralph, Jack, Piggy, Roger y el resto de muchachos recorren la isla con el gesto del asombro, el tono de los acontecimientos muta, enfrentándolos con el terror y la amenaza de la naturaleza. El lenguaje sencillo que William Golding utilizó en la novela para mostrar cómo el hombre vuelve a sus raíces primitivas, bestiales y gregarias es llevado al cine con la misma intensidad engañosa: el orden social choca contra un orden tribal que se va imponiendo, dando lugar a horrendos crímenes. La muerte de Piggy, el tierno personaje interpretado por Hugo Edwars, es la metáfora perfecta que muestra la inocencia aplastada por la supervivencia del más fuerte. Peter Brook opta por hacer una adaptación casi literal del libro de Golding, siguiendo religiosamente las migas de pan que el escritor inglés desperdigó en el laberinto de la condición humana.
8. Willie Wonka y la fábrica de chocolates (1971)
El mejor fabricante de dulces del mundo decide premiar a cinco niños con una visita a su mágica fábrica, pero no es más que una excusa para encontrar a un heredero de noble corazón que lo suceda. Hace rato que Roald Dahl se ha ubicado con sus cuentos y novelas en el Olimpo de los escritores para niños, donde lo acompañan los hermanos Grimm, Perrault y Andersen. Charlie y la fábrica de chocolates no es su única obra adaptada al cine pero es quizá la más célebre de todas. La inquietante historia de Willy Wonka es un cuento para niños con un trasfondo más escalofriante de lo que al principio parece. La riqueza visual, las canciones que pueblan la historia y la configuración de cada personaje, especialmente el interpretado por Gene Wilder –el mismo que tomó forma en la piel de Johnny Depp-, convierten esta superproducción de los años 70 en una comedia negra que es, hasta el día de hoy, un referente de directores como Terry Gilliam o Tim Burton. Fue el mismo Roald Dahl el encargado de adaptar su novela, convirtiéndola en un clásico del cine que ya conoce un remake y que, sin duda, será el móvil de producciones futuras.
7. Blade Runner (1983)
En el año 2019 un grupo de replicantes o androides proscritos deambula por la tierra buscando el sentido de su vida, mientras Rick Deckard los persigue para ejecutarlos. La atmósfera apocalíptica, el caos futurista y los conflictos entre hombre y máquina que Ridley Scott recreó en Blade Runner, hicieron de esta película una obra inaugural del cine de ciencia ficción, pues ubicó el listón a una altura que pocos realizadores han sabido superar. La persecución que emprende Harrison Ford, en el papel de Rick Deckar, es un descenso a los infiernos labrados por el hombre y confecciona una cinta cargada de símbolos; haciendo todos los honores a Philip K. Dick, autor de la novela que la inspiró. ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? solo es uno de los libros de Dick que han llamado la atención de los directores más arriesgados. Paul Verhoeven tomó uno de sus cuentos para hacer El vengador del futuro (Total Recall) y el mismo Steven Spielberg encontró en el abanico de su obra una historia magistral que dio origen a una película magistral, Sentencia previa (Minority Report).
La película, en su momento, fue un fracaso de taquilla y solo recibió reconocimiento diez años después, cuando el director estrenó su propia versión, que eliminaba el final feliz exigido por el estudio. Lo curioso es que algo similar ha ocurrido con la obra de Phillip K. Dick. En vida, el escritor no obtuvo el reconocimiento que merecía y fue solamente después de su muerte que sus libros empezaron a venderse como best sellers y como verdaderos pioneros de la literatura ciberpunk.
6. El silencio de los inocentes (1991)
La agente del FBI Clarice Starling solicita la ayuda del psicópata Hannibal Lecter para encontrar a un asesino en serie que confecciona un traje de mujer con la piel de sus víctimas. El nombre de Hannibal Lecter estará asociado para siempre a lo más sórdido y elegante del cine de terror. Este personaje, creado por el escritor Thomas Harris, es tal vez el principal motivo por el que todas las obras en las que aparece se convierten de inmediato en best sellers. Inteligente, sagaz, astuto, frío, insensible y sin compasión, Hannibal Lecter es uno de los psicópatas más complejos del cine y la literatura. Interpretado por Anthony Hopkins, este personaje es el atractivo más grande de la película de 1991 que se llevó los cinco premios Oscar principales de la Academia. También fue la primera producción de terror y suspenso en hacerse con el Oscar a la mejor película. Pero no es el único motivo para verla más de una vez. Jodie Foster, en el papel de Clarice, y Ted Levine, en el papel del asesino en serie, también ofrecen actuaciones impresionantes. Thomas Harris reconoció en la fuerza de Lecter una oportunidad para escribir varias novelas que rastrean sus orígenes y su desenlace, libros que han sido convertidos puntualmente en secuelas no tan exitosas.
5. Lolita (1962)
El profesor Humbert Humbert inicia un tórrido romance con una niña de 14 años y emprende un viaje por las entrañas de los Estados Unidos. Dicen que la novela más norteamericana de todas fue escrita por un ruso. La misma sentencia encaja para la adaptación que Stanley Kubrick hizo de Lolita; la película más norteamericana de todas fue realizada por un director con ancestros rumanos y austrohúngaros. Esta obra de la literatura universal, escrita por el legendario Vladimir Nabokov, es una travesía hacia donde ningún hombre había ido jamás: hacia las fronteras que un cuarentón es capaz de transgredir con tal de satisfacer su perversa obsesión por una niña. El surgimiento de este film fue una cachetada impune al stablishment americano de la época. La censura que no pudo vencer el libro, fue rota por una película que tiene variaciones frente a la obra de Nabokov pero que posee la misma esencia delirante y voluptuosa. La Lolita de Kubrick fue filmada en Gran Bretaña y omite las escenas más eróticas presentes en el libro pero conserva de igual manera un ambiente insinuante y sensual gracias a la hermosa Sue Lyon, una Lolita malévola que hace trascender su poder de seducción más allá de la pantalla. Para Nabokov, escribir el guión de su libro más conocido y polémico debió ser como parir por segunda vez una criatura perfecta.
4. El resplandor (1980)
La familia Torrance decide trasladarse a un desolado hotel invernal donde abundan las presencias fantasmales y la locura deforma el juicio del padre hasta convertirlo en un violento emisario del mal. Stephen King es reconocido mundialmente como el maestro del terror. Cada libro que escribe se convierte en un récord de ventas y es llevado en poco tiempo al cine; sin embargo, pocas adaptaciones de su obra han alcanzado el éxito que logró la dupla Kubrick – Nicholson con El resplandor. Abandonados a su suerte en un hotel más que claustrofóbico, los personajes de esta obra maestra sucumben lentamente a los extraños fenómenos que suceden entre pasadizos y habitaciones con decorados cubistas e hipnóticos. Jack Torrance, un escritor que lucha contra el alcoholismo y el bloqueo creativo, se deja seducir por el aura de maldad que ronda en el lugar y termina convirtiéndose en un loco destructivo con sed de sangre. Esta interpretación fue la que hizo de Nicholson una deidad en la constelación Hollywood y le garantizó el éxito en ventas a cualquier libro publicado por King. Sin embargo, El resplandor tiene más de Kubrick que del escritor. Planos secuencia a ras del suelo, diálogos inteligentes y sarcásticos, una fotografía espectral que diluye el contorno emocional de los protagonistas y un ritmo in crescendo que estalla en un epílogo aterrador, escriben el nombre del director en la historia del cine y lo hacen con la tinta indeleble de la sangre.
3. Extraños en un tren (1951)
Dos perfectos desconocidos descubren que comparten una calamidad de la cual podrían librarse fraguando un crimen y una coartada perfecta. No existe el crimen perfecto pero Alfred Hitchcock intentó idear en la mayoría de sus películas uno que lo fuera. Extraños en un tren es la primera novela de la que podría considerarse la madre del género policiaco y la literatura negra. Patricia Highsmith traza en esta historia la ruta de dos hombres oprimidos: el tenista Guy Haines no soporta a su histérica esposa y el excéntrico Bruno Anthony no tiene paz por el dominio omnipresente de su padre. Cuando el uno conoce la historia del otro, surge la idea de intercambiar homicidios, lei motiv que Hitchcock aprovecha para rodar una película llena de juegos psicológicos y personajes desquiciados. Todos los elementos en esta producción se conjugan para hacer una obra sin cabos sueltos. Del director y la escritora queda poco qué decir y lo mismo ocurre con el guionista, Raymond Chandler, afamado autor de novelas policíacas, que imagina escenas cargadas de tensión y muy efectivas a la hora de hacer que los espectadores queden pegados de sus sillas en cuerpo y alma. Otras obras de Patricia Highsmith se han convertido en películas de alto rango. Directores como Wim Wenders han dejado capturar su atención por historias tan inquietantes como la saga de ese personaje inescrupuloso interpretado por Dennis Hopper en El amigo americano y más recientemente por Matt Damon en El talentoso señor Ripley, del director Anthony Minghella.
2. El padrino I, II y III (1972, 1974 y 1990)
El ascenso y la caída de la estirpe Corleone son narrados en esta trilogía donde se revela la corrupción que reina desde el bajo mundo hasta las más altas esferas del poder. Ver la trilogía de El padrino es una oferta que no se puede rechazar. Es la Santísima Trinidad del séptimo arte y aquellos actores que participaron en ella se ganaron un pase gratis hacia la inmortalidad. Supuso el regreso de Marlon Brando y el salto a la fama de Al Pacino, así como la reafirmación del talento de Robert De Niro en la secuela de 1974. Vito Corleone (Brando) es el patriarca de la familia más poderosa del crimen organizado, regido bajo un código ético donde el honor y la progenie pueden costar la cabeza de un hombre –o la de un caballo-. Luego de un atentado contra su vida, su hijo Michael (Pacino) cobra venganza y huye a Europa para volver años más tarde a asumir el poder, convertido en un hombre forjado por el dolor que no demuestra piedad ante sus enemigos. En las secuelas de 1974 y 1990, Coppola hace de las cámaras testigos presenciales del ascenso de Michael y la decadencia de su imperio con secuencias tan inolvidables como la serie de asesinatos paralelos al bautizo de un nuevo miembro de la familia, la intriga traicionera de ambiente habanero de la segunda parte y el atentado metódico que en la tercera parte le quita la vida al mismísimo Papa. Francis Ford Coppola convierte la novela de Mario Puzo en una premiada obra coral que se volvió el paradigma obligado del cine de gangsters desde la década del 70. El Oscar que ganó a la Mejor Película lo tiene bien merecido, así como Brando merecía el Oscar que le dieron por su inolvidable actuación y que después rechazó. Pero más allá de los premios, esta obra es un logrado retrato alegórico de América y ese sueño por el que los forasteros hollan sus tierras. Coppola logra trasladar todas sus obsesiones a la pantalla sin traicionar los cánones del género pero creando a la vez unos propios.
1. Apocalypse Now (1979)
El capitán Benjamin Willard es enviado en busca del Coronel Kurtz, una misión que implica adentrarse en el oscuro corazón de la guerra sin esperanzas de salir vivo o completo. ¡Brando otra vez! ¡Coppola de nuevo! ¡Siempre Joseph Conrad! Todas las palabras de esta película, y las del libro en el cual está basada, deberían, sencillamente, enmarcarse en monumentales signos de admiración. Pero esto haría que tanto el libro como la obra maestra de Coppola fuesen abarrotados y, por eso, es suficiente que por lo menos las últimas palabras pronunciadas por el atormentado Kurtz lleven estos signos como centinelas de lo inefable: “¡Ah, el horror! ¡El horror!”. Apocalypse Now es uno de los acercamientos a la guerra de Vietnam más ingeniosos y arriesgados en la historia del cine. Coppola y John Millus, el guionista encargado de adaptar la obra de Joseph Conrad, tomaron El corazón de las tinieblas y lo despojaron de toda carne, dejando solamente un esqueleto de fibras, nervios y huesos sobre el cual estructuraron una obra repleta de locura, violencia y absurdo. Con lo esencial, es decir el río, la enajenación de Kurtz y el descenso al abismo del narrador, se adentraron hasta el tuétano de un tema que, incluso al día de hoy, sigue siendo tabú para Estados Unidos: una guerra que dejó a los dos bandos miles de jóvenes asesinados, cientos de soldados lisiados y un puñado innumerable de chiflados sin remedio.
En el universo de El catálogo Maxwell de objetos curiosos las fallas de las máquinas son siempre la apertura de una serie de acontecimientos disparatados que envuelven a los personajes como capas de dulce hojaldre. Y por las fallas de estas máquinas es que el libro de Jose Andrés Gómez funciona con la precisión de una bomba de relojería que tuviera la singularidad de explotar, reconstruirse y volver a explotar de manera sucesiva, pues el humor es un artefacto de clavijas bien ajustadas y resortes que pueden dispararse en la mitad de una frase, justo en aquellas imágenes que desafían la lógica del lector.
Jose Andrés Gómez, autor de Los cuadernos del Doctor Calamar, El magazín de famosos aún no conocidos y Manual para cazar una idea, todos publicados por Tragaluz, da cuenta en este compendio de relatos del insigne emprendimiento de las gemelas Maxwell y Repollo, herederas de un noble linaje cuya empresa de venta por correspondencia distribuye a lo largo y ancho del mundo un catálogo de “misteriosos objetos elaborados en fábricas de rincones remotos”. La empresa, cómo no, fracasa estruendosamente y su desaparición permite el nacimiento del enigma que el libro intenta descifrar. Así, el azar hace que los personajes se topen con el susodicho catálogo, se encandilen con los maravillosos prodigios obrados por las máquinas y se involucren en embrollos que los llevan a viajar a través de dimensiones paralelas, provocar que los comensales de un restaurante se transformen en chimpancés o ser ladrones involuntarios con una máquina que teletransporta billetes.
El libro es una fórmula contra el aburrimiento, una emoción que quizás es injustamente vilipendiada y que en los personajes creados por el autor tiene matices inesperados. ¿De dónde más podría salir el arrojo para meterse en una caja de transformaciones? Jose Andrés Gómez quizás declara en estos cuentos que el aburrimiento nos vuelve intrépidos y que somos capaces de realizar hazañas descabelladas con tal de espantar el tedio y convocar la aventura.
El libro editado por Tragaluz parece justamente un artefacto pensado para que los lectores convoquen una pizca de aventura en sus vidas. Además de estar ilustrado en un estilo que se sincroniza milimétricamente con el humor del escritor, contiene a través de las páginas una serie de invitaciones que podrían llevar al lector de cualquier edad a dibujar monstruos radioactivos con pintalabios, manchar el papel con salsa de tomate o a coleccionar periódicos para madurar aguacates.
Uno engañosamente se lamenta de que el libro apenas esté conformado por tres historias. Sin embargo, Jose Andrés Gómez tiene una habilidad extraordinaria para crear historias de incontables ramificaciones que disparan la imaginación y hacen sospechar que en su próximo libro continuará narrando los ires y venires de las criaturas, máquinas, animales y platillos deliciosos que pueblan sus obras.
En el intervalo que hay hasta su próximo libro podemos entretenernos imaginando que el siguiente artefacto impreso en el catálogo de Tragaluz será, por ejemplo, una colección de instrucciones de juegos de mesa como el que Tonino y Antonio juegan en el primer cuento del catálogo, o un recetario que supere las preparaciones del inteligente ayudante de cocina robotizado que Crispino Buenasperas utiliza en su restaurante, y por qué no esperar en este porvenir de publicaciones un set de fichas bibliográficas que cuenten el paradero de esos libros inauditos que Jose Andrés Gómez usa como fuente de sus narraciones: la Enciclopedia de Insignes Emprendedores de Todos los Tiempos o los tres volúmenes de la Enciclopedia de Infames Fracasos Comerciales de La Historia. Seguramente, será una obra tan curiosa como su catálogo y compartirá el propósito que han cumplido sus libros anteriores: ayudarnos a escapar de las planicies del aburrimiento.
La ciudad de Los Ángeles es el escenario donde pequeñas historias cotidianas se entrecruzan, revelando la condición humana hasta en las pequeñas cosas. Vidas cruzadas es la evidencia de que las almas gemelas pueden encontrarse. Nadie más perfecto que Robert Altman para llevar a escena los relatos cortos de Raymond Carver. Esta película es muchas películas al tiempo. Es la colección de breves momentos en la vida de personajes que están a punto de derrumbarse en un entorno tan hostil como la jungla o el desierto: una ciudad telúrica asolada por plagas imperceptibles: violencia, calor asfixiante, tedio… Algo notable del film es el reparto de lujo que lo habita: alcohólicos, payasos, prostitutas, mujeres con delirios nudistas, policías, esposos destructivos y padres solitarios son traídos a la vida por Tom Waitts, Anne Archer, Juliane Moore, Tim Robins, Peter Gallagher, Jack Lemmon, entre otras estrellas con igual brillo. Robert Altman coincide con Carver en un punto de vista íntimo que raya en lo subjetivo pero parte hacia reflexiones propias, reescribe de alguna forma las historias que uno de los mejores cuentistas del siglo XX inmortalizó en libros como Catedral, De qué hablamos cuando hablamos de amor o ¿Quieres hacer el favor de callarte por favor? 
Cuando un grupo de niños y adolescentes naufragan y quedan atrapados en una isla desierta, los instintos primarios del ser humano salen a flote reemplazando la inocencia pueril por la crueldad, el mal y la violencia. La atmósfera de juego que inicia esta película de Peter Brook es, al principio, una carnada que el espectador muerde sin vacilaciones. Lo que parece ser una historia de aventuras cambia gradualmente haciéndose más oscura mientras avanza. Al tiempo que Ralph, Jack, Piggy, Roger y el resto de muchachos recorren la isla con el gesto del asombro, el tono de los acontecimientos muta, enfrentándolos con el terror y la amenaza de la naturaleza. El lenguaje sencillo que William Golding utilizó en la novela para mostrar cómo el hombre vuelve a sus raíces primitivas, bestiales y gregarias es llevado al cine con la misma intensidad engañosa: el orden social choca contra un orden tribal que se va imponiendo, dando lugar a horrendos crímenes. La muerte de Piggy, el tierno personaje interpretado por Hugo Edwars, es la metáfora perfecta que muestra la inocencia aplastada por la supervivencia del más fuerte. Peter Brook opta por hacer una adaptación casi literal del libro de Golding, siguiendo religiosamente las migas de pan que el escritor inglés desperdigó en el laberinto de la condición humana.
El mejor fabricante de dulces del mundo decide premiar a cinco niños con una visita a su mágica fábrica, pero no es más que una excusa para encontrar a un heredero de noble corazón que lo suceda. Hace rato que Roald Dahl se ha ubicado con sus cuentos y novelas en el Olimpo de los escritores para niños, donde lo acompañan los hermanos Grimm, Perrault y Andersen. Charlie y la fábrica de chocolates no es su única obra adaptada al cine pero es quizá la más célebre de todas. La inquietante historia de Willy Wonka es un cuento para niños con un trasfondo más escalofriante de lo que al principio parece. La riqueza visual, las canciones que pueblan la historia y la configuración de cada personaje, especialmente el interpretado por Gene Wilder –el mismo que tomó forma en la piel de Johnny Depp-, convierten esta superproducción de los años 70 en una comedia negra que es, hasta el día de hoy, un referente de directores como Terry Gilliam o Tim Burton. Fue el mismo Roald Dahl el encargado de adaptar su novela, convirtiéndola en un clásico del cine que ya conoce un remake y que, sin duda, será el móvil de producciones futuras.
En el año 2019 un grupo de replicantes o androides proscritos deambula por la tierra buscando el sentido de su vida, mientras Rick Deckard los persigue para ejecutarlos. La atmósfera apocalíptica, el caos futurista y los conflictos entre hombre y máquina que Ridley Scott recreó en Blade Runner, hicieron de esta película una obra inaugural del cine de ciencia ficción, pues ubicó el listón a una altura que pocos realizadores han sabido superar. La persecución que emprende Harrison Ford, en el papel de Rick Deckar, es un descenso a los infiernos labrados por el hombre y confecciona una cinta cargada de símbolos; haciendo todos los honores a Philip K. Dick, autor de la novela que la inspiró. ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? solo es uno de los libros de Dick que han llamado la atención de los directores más arriesgados. Paul Verhoeven tomó uno de sus cuentos para hacer El vengador del futuro (Total Recall) y el mismo Steven Spielberg encontró en el abanico de su obra una historia magistral que dio origen a una película magistral, Sentencia previa (Minority Report).
La agente del FBI Clarice Starling solicita la ayuda del psicópata Hannibal Lecter para encontrar a un asesino en serie que confecciona un traje de mujer con la piel de sus víctimas. El nombre de Hannibal Lecter estará asociado para siempre a lo más sórdido y elegante del cine de terror. Este personaje, creado por el escritor Thomas Harris, es tal vez el principal motivo por el que todas las obras en las que aparece se convierten de inmediato en best sellers. Inteligente, sagaz, astuto, frío, insensible y sin compasión, Hannibal Lecter es uno de los psicópatas más complejos del cine y la literatura. Interpretado por Anthony Hopkins, este personaje es el atractivo más grande de la película de 1991 que se llevó los cinco premios Oscar principales de la Academia. También fue la primera producción de terror y suspenso en hacerse con el Oscar a la mejor película. Pero no es el único motivo para verla más de una vez. Jodie Foster, en el papel de Clarice, y Ted Levine, en el papel del asesino en serie, también ofrecen actuaciones impresionantes. Thomas Harris reconoció en la fuerza de Lecter una oportunidad para escribir varias novelas que rastrean sus orígenes y su desenlace, libros que han sido convertidos puntualmente en secuelas no tan exitosas.
El profesor Humbert Humbert inicia un tórrido romance con una niña de 14 años y emprende un viaje por las entrañas de los Estados Unidos. Dicen que la novela más norteamericana de todas fue escrita por un ruso. La misma sentencia encaja para la adaptación que Stanley Kubrick hizo de Lolita; la película más norteamericana de todas fue realizada por un director con ancestros rumanos y austrohúngaros. Esta obra de la literatura universal, escrita por el legendario Vladimir Nabokov, es una travesía hacia donde ningún hombre había ido jamás: hacia las fronteras que un cuarentón es capaz de transgredir con tal de satisfacer su perversa obsesión por una niña. El surgimiento de este film fue una cachetada impune al stablishment americano de la época. La censura que no pudo vencer el libro, fue rota por una película que tiene variaciones frente a la obra de Nabokov pero que posee la misma esencia delirante y voluptuosa. La Lolita de Kubrick fue filmada en Gran Bretaña y omite las escenas más eróticas presentes en el libro pero conserva de igual manera un ambiente insinuante y sensual gracias a la hermosa Sue Lyon, una Lolita malévola que hace trascender su poder de seducción más allá de la pantalla. Para Nabokov, escribir el guión de su libro más conocido y polémico debió ser como parir por segunda vez una criatura perfecta.
La familia Torrance decide trasladarse a un desolado hotel invernal donde abundan las presencias fantasmales y la locura deforma el juicio del padre hasta convertirlo en un violento emisario del mal. Stephen King es reconocido mundialmente como el maestro del terror. Cada libro que escribe se convierte en un récord de ventas y es llevado en poco tiempo al cine; sin embargo, pocas adaptaciones de su obra han alcanzado el éxito que logró la dupla Kubrick – Nicholson con El resplandor. Abandonados a su suerte en un hotel más que claustrofóbico, los personajes de esta obra maestra sucumben lentamente a los extraños fenómenos que suceden entre pasadizos y habitaciones con decorados cubistas e hipnóticos. Jack Torrance, un escritor que lucha contra el alcoholismo y el bloqueo creativo, se deja seducir por el aura de maldad que ronda en el lugar y termina convirtiéndose en un loco destructivo con sed de sangre. Esta interpretación fue la que hizo de Nicholson una deidad en la constelación Hollywood y le garantizó el éxito en ventas a cualquier libro publicado por King. Sin embargo, El resplandor tiene más de Kubrick que del escritor. Planos secuencia a ras del suelo, diálogos inteligentes y sarcásticos, una fotografía espectral que diluye el contorno emocional de los protagonistas y un ritmo in crescendo que estalla en un epílogo aterrador, escriben el nombre del director en la historia del cine y lo hacen con la tinta indeleble de la sangre.
Dos perfectos desconocidos descubren que comparten una calamidad de la cual podrían librarse fraguando un crimen y una coartada perfecta. No existe el crimen perfecto pero Alfred Hitchcock intentó idear en la mayoría de sus películas uno que lo fuera. Extraños en un tren es la primera novela de la que podría considerarse la madre del género policiaco y la literatura negra. Patricia Highsmith traza en esta historia la ruta de dos hombres oprimidos: el tenista Guy Haines no soporta a su histérica esposa y el excéntrico Bruno Anthony no tiene paz por el dominio omnipresente de su padre. Cuando el uno conoce la historia del otro, surge la idea de intercambiar homicidios, lei motiv que Hitchcock aprovecha para rodar una película llena de juegos psicológicos y personajes desquiciados. Todos los elementos en esta producción se conjugan para hacer una obra sin cabos sueltos. Del director y la escritora queda poco qué decir y lo mismo ocurre con el guionista, Raymond Chandler, afamado autor de novelas policíacas, que imagina escenas cargadas de tensión y muy efectivas a la hora de hacer que los espectadores queden pegados de sus sillas en cuerpo y alma. Otras obras de Patricia Highsmith se han convertido en películas de alto rango. Directores como Wim Wenders han dejado capturar su atención por historias tan inquietantes como la saga de ese personaje inescrupuloso interpretado por Dennis Hopper en El amigo americano y más recientemente por Matt Damon en El talentoso señor Ripley, del director Anthony Minghella.
El ascenso y la caída de la estirpe Corleone son narrados en esta trilogía donde se revela la corrupción que reina desde el bajo mundo hasta las más altas esferas del poder. Ver la trilogía de El padrino es una oferta que no se puede rechazar. Es la Santísima Trinidad del séptimo arte y aquellos actores que participaron en ella se ganaron un pase gratis hacia la inmortalidad. Supuso el regreso de Marlon Brando y el salto a la fama de Al Pacino, así como la reafirmación del talento de Robert De Niro en la secuela de 1974. Vito Corleone (Brando) es el patriarca de la familia más poderosa del crimen organizado, regido bajo un código ético donde el honor y la progenie pueden costar la cabeza de un hombre –o la de un caballo-. Luego de un atentado contra su vida, su hijo Michael (Pacino) cobra venganza y huye a Europa para volver años más tarde a asumir el poder, convertido en un hombre forjado por el dolor que no demuestra piedad ante sus enemigos. En las secuelas de 1974 y 1990, Coppola hace de las cámaras testigos presenciales del ascenso de Michael y la decadencia de su imperio con secuencias tan inolvidables como la serie de asesinatos paralelos al bautizo de un nuevo miembro de la familia, la intriga traicionera de ambiente habanero de la segunda parte y el atentado metódico que en la tercera parte le quita la vida al mismísimo Papa. Francis Ford Coppola convierte la novela de Mario Puzo en una premiada obra coral que se volvió el paradigma obligado del cine de gangsters desde la década del 70. El Oscar que ganó a la Mejor Película lo tiene bien merecido, así como Brando merecía el Oscar que le dieron por su inolvidable actuación y que después rechazó. Pero más allá de los premios, esta obra es un logrado retrato alegórico de América y ese sueño por el que los forasteros hollan sus tierras. Coppola logra trasladar todas sus obsesiones a la pantalla sin traicionar los cánones del género pero creando a la vez unos propios. 
El capitán Benjamin Willard es enviado en busca del Coronel Kurtz, una misión que implica adentrarse en el oscuro corazón de la guerra sin esperanzas de salir vivo o completo. ¡Brando otra vez! ¡Coppola de nuevo! ¡Siempre Joseph Conrad! Todas las palabras de esta película, y las del libro en el cual está basada, deberían, sencillamente, enmarcarse en monumentales signos de admiración. Pero esto haría que tanto el libro como la obra maestra de Coppola fuesen abarrotados y, por eso, es suficiente que por lo menos las últimas palabras pronunciadas por el atormentado Kurtz lleven estos signos como centinelas de lo inefable: “¡Ah, el horror! ¡El horror!”. Apocalypse Now es uno de los acercamientos a la guerra de Vietnam más ingeniosos y arriesgados en la historia del cine. Coppola y John Millus, el guionista encargado de adaptar la obra de Joseph Conrad, tomaron El corazón de las tinieblas y lo despojaron de toda carne, dejando solamente un esqueleto de fibras, nervios y huesos sobre el cual estructuraron una obra repleta de locura, violencia y absurdo. Con lo esencial, es decir el río, la enajenación de Kurtz y el descenso al abismo del narrador, se adentraron hasta el tuétano de un tema que, incluso al día de hoy, sigue siendo tabú para Estados Unidos: una guerra que dejó a los dos bandos miles de jóvenes asesinados, cientos de soldados lisiados y un puñado innumerable de chiflados sin remedio.
El libro es una fórmula contra el aburrimiento, una emoción que quizás es injustamente vilipendiada y que en los personajes creados por el autor tiene matices inesperados. ¿De dónde más podría salir el arrojo para meterse en una caja de transformaciones? Jose Andrés Gómez quizás declara en estos cuentos que el aburrimiento nos vuelve intrépidos y que somos capaces de realizar hazañas descabelladas con tal de espantar el tedio y convocar la aventura.
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